Skóre pre neurčitú skladbu Johna Cage „Fontana Mix“ (obrázok: BBC Radio 3)
S rozvojom notácie hudby bola hudba oslobodená od citlivých väzieb ústnych a zvukových tradícií. Štandardizovaná základná štruktúra znamenala, že všetko od gregoriánskeho chorálu po „Johnny B Goode“ bolo možné relatívne ľahko zachovať a množiť. Začiatkom rokov po druhej svetovej vojne však niektorí progresívnejší hudobníci a skladatelia začali myslieť, že hudobný personál by mohol byť viac obmedzujúci ako oslobodujúci a začal experimentovať s novými výraznejšími formami zápisu grafickej hudby.
Americký skladateľ John Cage preskúmal možnosti použitia a neurčitosti vo svojich hudobných skladbách s cieľom vymazať jeho vlastnú subjektivitu z jeho hudby, z ruky umelcov, ako to bolo. Aby mohol Cage komunikovať svoje neurčité „kompozície“, aby používal termín voľne, vyvinul prepracované metódy grafickej notácie zahŕňajúcej sériu priehľadných fólií. Prvýkrát použil túto metódu v skóre 1958 pre „Varianty I“, ktorý pozostával zo šiestich priehľadných štvorcov - jedného so 27 bodmi reprezentujúcimi zvuk a päť s piatimi čiarami, ktoré predstavujú akúkoľvek priradenú hudobnú hodnotu. Kompozícia bola odvodená umiestnením štvorcov na seba v akejkoľvek kombinácii. Cage by pokračoval v rozvíjaní a rozširovaní tejto metódy v 50. a 60. rokoch 20. storočia, ako je vidieť na hornom obrázku zobrazujúcom trochu prepracovanejšie skóre pre „Fontana Mix“. Cageov zápis obsahuje štyri viackanálové kazety s páskou, desať priehľadných fólií s malými priečinkami bodky, jedna priehľadnosť nesúca priamu čiaru a desať listov papiera, na ktorých boli nakreslené farebné hranaté čiary, a „hárok“ podobný grafickému papieru. Priehľadné fólie sa použili na odvodenie súradníc, ktoré sa potom použili na určenie toho, ktorá páska sa použila, pretože rovnako ako hodnoty zvuku z pásky: dĺžka (v palcoch), hlasitosť, zabarvení atď. Podľa Sprievodcu klasickou hudbou zo všetkých hudobných skupín opísal Cage skóre ako „fotoaparát, z ktorého môže odfotiť niekto“.
Skóre pre „kyvadlovú hudbu Steve Reicha“ (obrázok: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
Skóre pre „kyvadlovú hudbu Steve Reicha“ (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) Skóre Steva Reicha pre „kyvadlovú hudbu“ je jednoduchý, písaný súbor pokynov popisujúcich, ako je dielo inscenované a predvádzané. Vyššie uvedenú nahrávku vytvorila spoločnosť Sonic Youth pre svoj album SYR4: Zbohom 20. storočie z roku 1999 . Časti písaného rukou písaného textu sú trochu ťažko čitateľné, takže tu je prepis:
„2, 3, 4 alebo viac mikrofónov sú zavesené na strope pomocou káblov, takže všetci visia v rovnakej vzdialenosti od podlahy a môžu sa voľne otáčať kyvadlovým pohybom. Kábel každého mikrofónu je zapojený do zosilňovača, ktorý je pripojený k reproduktoru. Každý mikrofón zavesí niekoľko palcov priamo nad alebo vedľa reproduktora.
Predstavenie začína účinkujúcimi, ktorí si berú každú mikrofón, ťahajú ho späť ako hojdačka a potom ich všetky vydávajú spolu. Interpreti potom opatrne otočia každý zosilňovač práve do bodu, keď nastane spätná väzba, keď sa mikrofón otočí priamo nad alebo vedľa reproduktora. Takto je namierený rad spätnoväzbových impulzov, ktoré budú buď všetky jednohlasné alebo nie, v závislosti od postupne sa meniacich fázových vzťahov rôznych kyvadlových kyviet.
Interpreti sa potom posadia, aby sledovali a počúvali tento proces spolu s publikom.
Kus je ukončený niekedy potom, čo sa všetky mikrobi zastavia a umelci vynášajú nepretržitý tón účinkujúcimi, ktorí vytiahnu napájacie káble zosilňovačov. “
Grafická notácia Briana Ena pre hudbu pre letiská (zverejnená na zadnej strane rukávu albumu) V roku 1978 hudobník Brian Eno vytvoril kľúčový album Ambient 1: Music for Airport . Eno razil termín „ambient“, aby opísal túto atmosférickú zvukovú scénu a odlíšil ju od konzervovanej „výťahovej hudby“, ktorú propagoval Muzak. Vytvoril tak nielen album, ale celý hudobný žáner. Eno bol inšpirovaný skladateľmi ako Cage a Reich, ale nemal formálne hudobné školenie. Na otázku v rozhovore, prečo sa nikdy nenaučil čítať hudbu, odpovedal Eno, ktorý radšej skladal priamo na pásku.
„To by pre mňa nebolo veľmi užitočné. Niekedy som bol zaseknutý niekde bez môjho magnetofónu a mal som nejaký nápad, snažil som sa ho spamätať, a keďže dobrý nápad sa takmer vždy spolieha na nejaké neznáme nuansy, je preto automaticky ťažké si ich pamätať. Takže vo veľmi zriedkavých prípadoch som si myslel: „Bože, keby som to mohol len napísať.“ Ale v skutočnosti to, čo robím, súvisí so zvukovou textúrou a napriek tomu to nemôžete zaznamenať ... Je to preto, že notový zápis vznikol v čase, keď boli zvukové textúry obmedzené. Ak ste povedali husle a dychové vetvy, ktoré definovali zvukovú textúru, ak poviem syntetizátor a gitaru, nebude to znamenať nič - hovoríte o 28 000 premenných. “
Namiesto tradičnej notácie potom Eno vytvoril vyššie uvedenú grafiku, ktorá sa zdá byť viac zameraná na sprostredkovanie vizuálneho dojmu hudby a nie je určená na to, aby sa používala ako vodítko na skutočné hranie hudby.
Stránka skóre pre „Polymorfiu“ Krzysztofa Pendereckiho (Ex Tempore) Krzysztof Pendereckiho „Polymorfia“ bol uvedený do prevádzky spoločnosťou North German Radio Hamburg v roku 1961. Ako už názov napovedá, tento diel má skutočne rôzne podoby a dramatické zmeny v jednotlivých častiach. S „Polymorfiou“ Penderecki hľadal nové zvukové možnosti a ak tieto možnosti zahŕňajú „desivú strašidelnú domácu hudbu“, úplne ju pribil. Skladba je určená pre 48 strunových nástrojov a zdôrazňuje skôr zafarbenie než výšku tónu a kolíziu telies generujúcich zvuk z kovu, dreva alebo kože - čo hudobný učenec Danuta Mirka označuje ako „primárne materiály“ skladateľa. Zápis bol inšpirovaný sčasti elektroencefalogramami - vizuálnymi meraniami mozgovej aktivity. Vyhýba sa tradičným mieram v prospech skóre rozdeleného na časti s premenlivou dĺžkou av niektorých častiach ďalšie vertikálne delenia, ktoré sa označujú každú sekundu, s „celkovým rozstupovým priestorom“ popisujúcim relatívnu rozstupy každého nástroja.
Strana 183 skóre za „Treatise“ od Corenlius Cardew (Spiral Cage) „Treatise“ anglického skladateľa Corneliusa Cardewa sa píše v rokoch 1963-1967. Pozostáva z 193 strán grafického zápisu, ktorý používa nejednoznačné čísla, tvary a symboly, ktoré Carew zamýšľal interpretovať účinkujúcim. Navrhuje, aby výkonní umelci súhlasili so svojimi vlastnými pravidlami pred predstavením, neposkytuje však žiadne ďalšie výslovné pokyny na interpretáciu diela. V príručke „Treatise“ ponúka Cardew ďalšie, kryptické rady, ako napríklad „Pamätajte, že priestor doslova nezodpovedá času“ a „Existuje veľký rozdiel medzi: a) vykonaním čohokoľvek, čo sa vám páči, a zároveň prečítaním záznamov, a b) čítanie zápisov a ich pokus o prevedenie do činnosti. Samozrejme môžete nechať skóre fungovať na predtým danom materiáli, musíte ho však nechať aktívne fungovať. “Jedinou konštantou v priebehu„ Pojednávania “je silne nakreslená„ životná línia “v strede skóre. Nemá žiadnu vnútornú hodnotu, ale umelci ho často používajú ako základnú referenciu výšky tónu alebo nejakej inej hudobnej hodnoty. Nakoniec „Pojednať“ je notácia ako umelecká forma. Ako hovorí Carew: „Zápis je dôležitejší ako zvuk. Nie presnosť a úspech, s akou notácia notuje zvuk; ale muzikálnosť notácie v jej notácii. “
Šachová notácia prekrývajúca obraz hudobného šachového zápasu medzi Marcelom Duchampom a Johnom Cageom (Parsons) Na záver, polovičný zápis. Počítam to iba ako polovicu, pretože používa tradičný systém notácie, nie systém notácie hudby . V roku 1968 hral John Cage šachový zápas proti Marcelu DuChampovi v rámci spoločného vystúpenia Reunion (pdf), v ktorom predstavoval aj elektronickú hudbu od Davida Behrmana, Gordona Mummu, Davida Tudora a Lowella Crossa. Vzhľadom na jeho záujem o náhodu nie je žiadnym prekvapením, že Cage toto dielo vymyslel, ale zložil ho spomenutý hudobník. Samotnú dosku navrhli Cross a skryté fotoodpory, kontaktné mikrofóny a pripojenie k zvukovým generátorom. Počas zápasu pohyb dielikov aktivoval svetlo a elektronickú hudbu, čím sa výstavné prostredie transformovalo podľa pohybu dielikov na doske. Umenie šachu sa zmenilo na hudbu a svetlo, druh strategickej synestézie. Je to fascinujúci nápad. Ako by vyznávala sicílska obrana? Alebo Queen's Gambit?
Vyššie uvedené príklady predstavujú notáciu pre experimentálnu hudbu aj experimentálnu notáciu pre hudbu. Sú to však len niektoré z mnohých spôsobov grafického a experimentálneho záznamu, ktoré umelci preskúmali za posledných 60 rokov. Zatiaľ čo niektorí umelci považujú obmedzenia za inšpirujúce - dokonca aj vtedy, ak sú tieto obmedzenia rovnako zdanlivé ako hudobné notácie - iní zistia, že pokrok je možné dosiahnuť iba rozbitím akceptovaných spôsobov výroby a komunikácie. A hoci výsledky nemusia byť vždy príjemné, sú nepopierateľne zaujímavé a predstavujú úprimnú snahu vytlačiť umeleckú formu na nepreskúmané územie. Avantgarda v pravom slova zmysle.
