„Robert Indiana sa narodil v rovnakom mene v roku 1928, “ začal krátky životopisný popis, ktorý autor napísal pre katalóg svojej prvej samostatnej výstavy v Stable Gallery v roku 1962: „Študoval v Chicagu a Edinburghu a vrátil sa z cestovné spoločenstvo na živé (sic) maľovanie na nábreží v New Yorku. Tu vo svojej prvej ukážke jedného človeka rekapituluje významné udalosti v jednom americkom živote. “
Zatiaľ čo umelec by sa stal neoddeliteľne prepojený so svojím dizajnom L O VE a hnutím Pop art, širšie dielo Indiany - naplnené číslami, slovami a symbolmi - zahŕňa autobiografické, literárne a historické odkazy, aby sa americkému snu podarilo dosiahnuť elegantnú eleganciu.,
Maliar, sochár a básnik, narodený v roku 1928 na Novom hrade v Indiane, maliar, sochár a básnik, ktorý by prevzal meno Indiana - čo nazval „nom de brush“ - zomrel 19. mája 2018 vo veku 89 rokov. ako autor a vedec Barbaralee Diamonstein-Spielvogel najskôr poznamenal „muž, ktorý vynašiel Lásku “.
L O VE vo všetkých iteráciách - preložený umelcom do sochárstva do španielčiny a hebrejčiny; po vypadnutí z Ellswortha Kellyho maľoval do netlačiteľného štvorpísmenného slova; alebo premenovaný v roku 2008 ako H O PE v tlači vyrobenej ako fundraiser pre prvú prezidentskú kampaň Baracka Obamu - je často skratkou umeleckej produkcie Indiany. Virginia Mecklenburg, hlavná kurátorka Smithsonian American Art Museum, poznamenáva, že zatiaľ čo Indiana bol spájaný s popovými umelcami ako James Rosenquist, Roy Lichtenstein a Andy Warhol, bol iný. „Zamerali sme svoje vnímanie na produkty našej spotrebiteľskej spoločnosti. L O VE nebolo o spotrebiteľskej kultúre, ale o emóciách, prostredníctvom ktorých žijeme svoj život. “
To, že Indián nikdy chránil autorské práva na jeho veľmi napodobňovaný dizajn L O VE, bolo pre umelca niečo, čo nahromadilo veľkú zbierku knock-offov. Viac osobných odhalení v diele však nie je tak ľahko plagiovaných ako jeho grafické línie: Indiana v rôznych rozhovoroch poukazuje na to, že inšpirovala sa skôr duchovným než erotickým pôvodom, ale podobne ako jeho časť, aj jeho L O VE. obraz z roku 1966 je nasýtený farbou a autobiografiou.
Robert Indiana a študent na Skowheganskej škole maľby a sochárstva, 1969 (Skowheganova škola maľby a sochárstva, 1946 - 2013. Archívy amerického ar) 
Fotografia Roberta Indiany s Autoporéziou Dekády 1969 (72 palcov), nie skôr ako v roku 1972. (Mary Swift) 
Portrét Roberta Indiany v jeho ateliéri, c. 80. roky (Mary Swift, fotografka. Dokumenty Mary Swift, približne 1970 - 2005. Archív amerického umenia) 
Alan Groh a Robert Indiana (vpravo) inštalujú show v Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotograf. Stable Gallery Records, 1916 - 1999, hromadne, 1953-1970. Archívy amerického umenia) Dizajn L O VE Roberta Indiany je zastúpený v zbierkach naprieč Smithsonovskou inštitúciou spolu s ďalšími umeleckými dielami. Tieto príklady ilustrujú a umožňujú nahliadnuť do celého rozsahu kariéry umelca.
Orálna história v Smithsonianskom archíve amerického umenia zahŕňa mnoho rozhovorov s umelcami, ktorí diskutujú o ich priateľstve s Indianou a jeho prácou, ale medzi najzaujímavejšie patrí rozhovor z roku 1963 so samotným umelcom, ktorý vedie Richard Brown Baker, zberateľ súčasného umenia.
Indiana v ňom hovorí o svojom neuspokojenom detstve a ranom vzdelaní - o čom svedčí sklon jeho matky k tuleniu, ktorý videl, že sa rodina presťahovala do 21 domov v čase, keď mu bolo 17 rokov - jeho záujem o poéziu a literatúru a svoj čas žijúci v Coenties Slip. na dolnom Manhattane medzi komunitou umelcov, medzi ktoré patrili Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney a Jack Youngerman.
Vianočná karta nájdená v novinách Dorothy Miller, ktorá bola kurátorkou v Múzeu moderného umenia, poskytuje ukážku L O VE v ranom štádiu koncepcie. Ako kurátorka rukopisov archívov Mary Savig opisuje vo svojej knihe Ručné prázdninové karty umelcov 20. storočia:
Jednou z prvých iterácií najobľúbenejšej témy Roberta Indiany, motívu LOVE, bola karta, ktorú predala MoMA v roku 1965. Indiana urobil na svojej dovolenkovej karte z roku 1964 ceruzky s nápisom LOVE, doplnené svojím podpisom nakloneným O; Jedným z príjemcov jeho karty bol kurátor MoMA Dorothy Miller. Nasledujúci rok MoMA objednalo od Indiany pestrejšiu podobu originálneho dizajnu svojej línie dovolenkových kariet.
Blahoželanie Robert Indiana zaslané Dorothy C. Millerovej, 1964 (. Papiere Dorothy C. Millerovej, 1853 - 2013, zväzok 1920 - 1996. Archívy amerického umenia) V roku 1964, v tom istom roku, Robert Indiana rozposlal svoju pohľadnicu L O VE, spolupracoval na filme Jedzte s Andym Warholom, v ktorom Indiana pomocou čarodejníka pri strihu filmu žila 35 minút nepretržite doplňujúcu huby. Na svetovom veľtrhu v New Yorku bol jedným z desiatich umelcov, ktorých poveril Phillip Johnson, aby vytvoril umelecké diela pre zakrivenú fasádu štátneho pavilónu v New Yorku. Tvorba Indiany, 20-stopová vysoká známka piatich čiernych kruhov usporiadaných ako tvár päťstrannej matrice s písmenami, ktoré sa rozsvietili, aby vyhláskovali EAT, bola vložená medzi dielami Ellswortha Kellyho a Roberta Rauchenberga. Slová EAT, DIE, HUG a ERR by sa dali chápať tak, že Indiana sa znova a znovu vracala - Mecklenburg ich nazýva „ikonickými príkazmi“ - s EAT bolo posledné slovo, ktoré mu matka povedala pred smrťou, jedno z najhlbšie autobiografických,
V humornom slova zmysle kurátorky umenia Philadelphia Joan Kron a Audrey Sabol upravili dizajn svetového veľtrhu Indiana na brošňu vyrobenú spoločnosťou Tiffany pre svoju skutočnú elektrickú spoločnosť - jeden z niekoľkých obchodných podnikov, ktoré ženy spoluvlastnili. Po zápise o svojich projektoch v denníku New York Times dostali veľa otázok o špendlíku, niektoré z nich sa nachádzajú v Kronových novinách v archíve. Medzi nimi je aj správa pani Daniel D. Krakauerovej z Veľkého krku na Long Islande, v ktorej sa pýta, kde môže priniesť jednu z brošní EAT na prekvapenie svojho manžela k 50. narodeninovej oslave: „Neviem pomyslieť na lepší spôsob oznámením, že „večera sa podáva“, ako rozsvietením., „“ List nadobúda lstivú iróniu; Úradníci na svetovom veľtrhu museli nariadiť, aby sa Indiana zrušila len po jednom dni, pretože davy sa hrali k pavilónu a zamieňali si to za miesto jedla. Ako napísala Indiana, „Priveľa ľudí zareagovalo prvý deň na imperatív.“
V roku 1974, keď Smithsonian dostal umeleckú zbierku finančníka a filantropa Josepha Hirshhorna a otvoril Hirshhornské múzeum a sochársku záhradu ako národné múzeum súčasného umenia, Smithsonian Associates zadal na otvorenie dňa štyri plagáty, vrátane jedného Roberta Indiany s očarujúca modrá hviezda a odvážny grafický dizajn.
V čase otvorenia múzea boli v zbierke Hirshhorn iba dva skoré obrazy Indiany - Eateria, 1962 a Beware-Danger American Dream # 4, 1963. Obaja, hovorí Evelyn Hankins, hlavný kurátor Hirshhornu, „sú ikonickými príkladmi spôsobu, akým Robert Indiána používa americkú ľudovú reč, ako sú dopravné značky, na vytváranie výrazných umeleckých diel v jadre pop-artu.“
Indiana na otváracom dni plagátu hovorí, že Evelyn Hankinsová z Hirshhornu „je veľmi reprezentatívna, prečo je Robert Indiana kľúčový pre svet pop-art - jeho použitie tvrdej grafiky, ktorá je niekedy slávna a niekedy kladie ťažké otázky o temnejšej strane amerického sna. “(Hirshhorn) Indiana je deň otvorenia, hovorí Hankins „so svojou grafickou tučnou hviezdou a obmedzenou farebnou paletou“ nielen dobre zapadá do zbierky a umelcovho diela, ale bola „veľmi reprezentatívna, prečo je Robert Indiana kľúčový pre svet pop-art - jeho použitie tvrdej grafiky, ktorá je niekedy slávna a niekedy kladie ťažké otázky o temnejšej strane amerického sna. “V tomto prípade, zvlášť, slávnostné.
Umelecká kritička Lucy Lippard vyhlásila Indianu za „romantiku otvorenú a otvorenú“, pričom zdôraznila, že „prínosom umelca je manželstvo poézie a geometrickej čistoty zahrnutím americkej literatúry a histórie do objektívneho umenia“.
Jeho romantické tendencie sú zjavné v jeho stĺpových sochách vyrobených z nájdeného dreva a predmetov vrátane tých, ktoré sú umiestnené v zbierkach Smithsonian American Art Museum. Podľa múzea Virginie Mecklenburgovej, ktorá kurátorom umeleckej samostatnej výstavy 1984 „Diela: Konštrukcie Roberta Indiany“, tieto diela svedčia o jeho inteligencii a pracovnom procese. „Chcel urobiť koncepty totemovými. Jeho sochy videl ako totemy, podobne ako stéla, ktorá v dávnych dobách slúžila ako nálezca na rímskych cestách. Sochy Indiany predstavujú prítomnosť, moc, individualitu, ako aj slová, znaky, symboly, spôsoby, ako označiť emócie, miesta. Bola tam úmyselnosť - tieto veci boli v jeho mysli. “
Päťka Roberta Indiany. (Smithsonian American Art Museum, dar umelca) V čase výstavy z roku 1984 Indiana obdarovala jeho obrazom Obrázok päť a múzeum si kúpilo jeho plastiku Päť . Obidve sú riffy na obraze Charlesa Demutha I Saw the Figure 5 in Gold - vyrobené ako reakcia na báseň Williama Carlosa Williamsa „The Great Figure“, napísané po stretnutí s hasičským vozom, ktorý bzučí v daždivej noci na Manhattane - a sú základnými kameňmi. z múzea Indiana.
Medzi dažďom a svetlami som videl zlato 5 na červenom hasičskom vozidle v pohybe., , ,
"Bobovi sa páčila myšlienka spoločného sochárstva a maľby, " hovorí Mecklenburg. "Demuth bol ovplyvnený zážitkovou básňou Williamsovej - rýchlosť, svetlo, zvuk hasiaceho vozidla - Bob našiel ďalší spôsob, ako to vyjadriť, to bolo okamih."
Na otázku, aké to bolo pracovať s Indianou na výstave, Mecklenburg hovorí, že Indiana bola plachá, ale stále jej umožňovala prístup k jeho osobným časopisom, ktorých stránky sú reprodukované v katalógu prehliadky. „Bol celkom úžasný., , Bol to priateľ, “hovorí. "Mal hlboký zmysel pre americké dejiny a pomenoval sa za štát, v ktorom vyrastal - nebol to Robert Massachusetts!" Bolo to tvrdenie o Strednej Amerike a to hovorí o tom, čo si cení. “
Ako povedal Diamonsteinovi, „keď som bol malý, moja mama viedla môjho otca, aby pracoval v Indianapolise, a prakticky každý deň môjho mladého života by som videl obrovské znamenie Phillips 66. Je to teda červená a zelená značka proti modrej Hoosierovej oblohe. Modrá v Láske je ceruleanská. Preto je moja láska poctou môjmu otcovi. “
Na konci rozhovoru s Robertom Indianou v ústnej histórii Richard Brown Baker naznačil, že umelec „úplne neodhalil“, ale Mecklenburg tvrdí, že Indiana poskytuje divákovi, ktorý je ochotný vykonať jeho čítanie, hlboký prístup. Indiana, hovorí, „bol mužom, ktorý sa svojím umením presadil na svete.“
Indiana, ktorý sa videl ako maliar znakov, v skutočnosti raz vyhlásil: „Maľujem americkú scénu.“
Ako jasne uviedol vo vyhlásení umelcov pre Stable Gallery: „Moje umenie je disciplinovaný veľký ponor - vysoký vzostup, simultánny a polychrómny, povýšenie verbálne-vizuálneho., , môj dialóg. “
